Teatro Griego

El teatro, como tantas otras cosas, es un invento griego.El teatro griego tuvo sus orígenes en el siglo VI A.C en las fiestas dionisíacas que se celebraban en honor a dios Dionisio.

Estas fiestas religiosas se efectuaban en la ciudad alrededor de la segunda semana de marzo y en las afueras, (las Dionisíacas de los Campos ) hacia septiembre. Duraban cinco días, el primero dedicado a la procesión, el 2º a la representación de cinco comedias y los tres últimos se dedicaban a una competición de tragedias. Cada día un escritor representaba tres tragedias previamente seleccionadas por altos funcionarios.

Las obras eran seleccionadas por un jurado en concurso publico; los poetas debían presentar tres tragedias y un drama. El vencedor recibía como premio una corona de oro y laureles.

Escultura de Dionisio

Las representaciones se iniciaban por la mañana temprano y continuaban sin intervalo, pues no había actos ni telón. El público abonaba una pequeña cuota y el que no podía era subvencionado por el Estado

Las primeras representaciones se efectuaron en las proximidades de los santuarios dedicados a Dionisio, luego se realizaron en una plaza pública.

El interés del publico por observar cómodamente el espectáculo hizo necesario la construcción de gradas escalonadas, que en los comienzos eran de madera.

En el siglo IV(a.C.) aprovechando la pendiente de la Acrópolis se construyó el primer teatro al aire libre con graderías de piedra, dedicado a Dionisio.

Ubicado al pie de la acrópolis a una altura intermedia entre el espacio divino presidido por el Partenón y el espacio urbano en el que se desarrollaba la vida cotidiana de los atenienses.

Frida Kahlo

Magdalena Carmen Frieda Kahlo Calderón, mejor conocida como Frida Kahlo (Coyoacán, 6 de julio de 1907 – Coyoacán, 13 de julio de 1954), fue una destacada pintora mexicana.

Primeros años

Frida fue la tercera hija de Guillermo Kahlo (Wilhelm Kahlo), fotógrafo de origen germano-húngaro, de religión judía con su segunda esposa, la mexicana Matilde Calderón, de ascendencia española. Sus dos hermanas mayores fueron Matilde y Adriana; después de ellas nació el único hijo varón de la familia, el cual sobrevivió apenas unos días. Cuando Frida tenía apenas once meses, en junio de 1908 nace su hermana menor, Cristina, su constante compañera y la única de las hermanas Kahlo en dejar descendencia. Además de ellas, Frida tuvo tres media hermanas mayores: Luisa, la mayor, una segunda hermana fallecida al momento de nacer y Margarita, todas nacidas del primer matrimonio de su padre con María Cardeña (llamada también Cerdeña en algunas fuentes), fallecida en el parto de Margarita en 1898.[1] [2]

De acuerdo al estudio de Gaby Franger y Rainer Huhle,[3] formaba parte de la leyenda, no pocas veces instigada por la propia Frida, que Guillermo Kahlo tuviera raíces húngaras o judías. Estos autores sostienen que probablemente el fotógrafo nació en Pforzheim, pequeña ciudad del estado de Baden-Wurtemberg y que sus abuelos y resto de antepasados pertenecieron a la burguesía local y eran de religión luterana.[4] [5]

Su vida quedó marcada por el sufrimiento físico que comenzó con la poliomielitis que contrajo en 1913 y continuó con diversas enfermedades, lesiones, accidentes y operaciones. Esta primera enfermedad le dejó una secuela permanente: la pierna derecha mucho más delgada que la izquierda.

En 1922 entró en la Escuela Nacional Preparatoria de Ciudad de México, la más prestigiosa institución educativa de México, la cual empezaba por primera vez a admitir chicas como alumnas. Allí sus travesuras la convirtieron en la cabecilla de un grupo mayoritariamente formado por chicos rebeldes con los que realizó innumerables trastadas en la escuela teniendo generalmente como víctimas a sus profesores. Fue precisamente en esta escuela donde entraría en contacto con su futuro marido, el conocido muralista mexicano Diego Rivera, a quien le había sido encargado pintar un mural en el auditorio de la escuela.


UNA DE SUS OBRAS:

Arte en barras

Historia:


Este es un deporte que combina la fuerza , la agilidad , creatividad, al hacer alguna combinacion o estilo en la barra ...

sus origenes se remontan desde hace mas de 55 años , creado en el pais de colombia , mas exactamente la ciudad de bogota especificamente en el barrio fontibon por varias personas y un estadounidense cada uno con algunos con estilos gimnastas otros con estilos callejeros ,este deporte ha trasendedido desde ese entonces atravez de el tiempo por nuestros abuelos , padres y amigos, modificando hasi el deporte con seis exixtentes estilos de ejecusion en las barras ...

ARTISTA modernista

Antoni Gaudí i Cornet (Riudoms o Reus,[1] 25 de junio de 1852 – Barcelona, 10 de junio de 1926) fue un arquitecto español, máximo representante del modernismo catalán.


Gaudí fue un arquitecto con un sentido innato de la geometría y el volumen, así como una gran capacidad imaginativa que le permitía proyectar mentalmente la mayoría de sus obras antes de pasarlas a planos. De hecho, pocas veces realizaba planos detallados de sus obras; prefería recrearlos sobre maquetas tridimensionales, moldeando todos los detalles según los iba ideando mentalmente. En otras ocasiones, iba improvisando sobre la marcha, dando instrucciones a sus colaboradores sobre lo que tenían que hacer.

Dotado de una fuerte intuición y capacidad creativa, Gaudí concebía sus edificios de una forma global, atendiendo tanto a las soluciones estructurales como las funcionales y decorativas. Estudiaba hasta el más mínimo detalle de sus creaciones, integrando en la arquitectura toda una serie de trabajos artesanales que dominaba él mismo a la perfección: cerámica, vidriería, forja de hierro, carpintería, etc. Asimismo, introdujo nuevas técnicas en el tratamiento de los materiales, como su famoso “trencadís” hecho con piezas de cerámica de desecho.

Después de unos inicios influenciado por el arte neogótico, así como ciertas tendencias orientalizantes, Gaudí desembocó en el modernismo en su época de mayor efervescencia, entre finales del siglo XIX y principios del XX. Sin embargo, el arquitecto reusense fue más allá del modernismo ortodoxo, creando un estilo personal basado en la observación de la naturaleza, fruto del cual fue su utilización de formas geométricas regladas, como el paraboloide hiperbólico, el hiperboloide, el helicoide y el conoide.

La arquitectura de Gaudí está marcada por un fuerte sello personal, caracterizado por la búsqueda de nuevas soluciones estructurales, que logró después de toda una vida dedicada al análisis de la estructura óptima del edificio, integrado en su entorno y siendo una síntesis de todas las artes y oficios. Mediante el estudio y la práctica de nuevas y originales soluciones, la obra de Gaudí culminará en un estilo orgánico, inspirado en la naturaleza, pero sin perder la experiencia aportada por estilos anteriores, generando una obra arquitectónica que es una simbiosis perfecta de la tradición y la innovación. Asimismo, toda su obra está marcada por las que fueron sus cuatro grandes pasiones en la vida: la arquitectura, la naturaleza, la religión y el amor a Cataluña.[2]

La obra de Gaudí ha alcanzado con el transcurso del tiempo una amplia difusión internacional, siendo innumerables los estudios dedicados a su forma de entender la arquitectura. Hoy día es admirado tanto por profesionales como por el público en general: la Sagrada Familia es actualmente uno de los monumentos más visitados de España.[3] Entre 1984 y 2005 siete de sus obras han sido consideradas Patrimonio de la Humanidad por la Unesco.

Arquitertura gotica

En Europa, durante los siglos XI y XII tuvo su origen un gran movimiento de renovación artística que llegó para armonizar todas las manifestaciones previas, creando un lenguaje específico y coordinado aplicado a todas las artes. Fue la época en la que surgió el arte Románico, llamado de esa manera por dos razones: por derivarse del antiguo arte romano y porque su nacimiento tuvo lugar en el pleno desarrollo de las lenguas romances, derivadas del latín o romano.


Esta escuela se dedicó principalmente a levantar iglesias y monasterios, por lo que se la relaciona directamente con el arte del cristianismo. Las construcciones derivaban de las antiguas basílicas romanas, y contaba con la única innovación de poseer una planta de cruz latina en lugar de la antigua planta rectangular. Además, los techos de madera de los primeros templos fueron reemplazados con bóvedas de cañón, que significaban menor peligro frente a las recurrentes amenazas de incendio. Para la construcción de estas bóvedas se disponían piedras sobre arcadas de madera que se retiraban una vez finalizada la obra.

Para contrarrestar la enorme presión que ejercían las bóvedas en todo el edificio, fue necesaria la construcción de muros sólidos y gruesos. Los mismos generalmente carecían de aberturas, y aportaban, a las iglesias románicas, un toque sombrío y de inminente oscuridad. También solían realizarse contrafuertes exteriores para reforzar los edificios.

Con el tiempo, para disminuir el efecto “tenebroso” que creaban los muros macizos y oscuros, los románicos comenzaron a colocar pinturas y esculturas vinculadas directamente con la necesidad de llenar los grandes espacios que dejaban en sus construcciones, alejándose de la existencia fuera de las catedrales. Generalmente, los artistas eran los mismísimos monjes, aunque también fue de suma importancia la obra de los constructores masones, magnates de la piedra franca (francmasones) que ambulaban de localidad en localidad en busca de mejores oportunidades laborales.

El término románico, como concepto que define un estilo artístico, fue utilizado por primera vez en 1820 por Charles de Gerville, significando con este término a todo arte que se realiza anterior al estilo gótico desde la caída del Imperio Romano; y por analogía al término ya conocido de lenguas románicas, el arte románico sucedía al arte antiguo tal y como las lenguas románicas eran las sucesoras del latín.

Un fenómeno importante en el contexto temporal del románico fue el terror milenarista o terror al milenio, que tuvo su origen en una serie de profecías basadas en el texto apocalíptico de San Juan, que vaticinaba horribles catástrofes anunciadoras del fin del mundo. Estas catástrofes se producirían cuando la humanidad cumpliera el primer milenio desde el nacimiento de Jesús. Pero ninguna de estas profecías llegaron a producir un terror generalizado de histeria colectiva, ni tampoco se cumplieron los terribles vaticinios de los textos milenarios. Precisamente la historiografía del siglo XI atribuyó el origen del estilo románico, al sentimiento general de acción de gracias que recorrió Europa, tras comprobarse no se produciría el terrible final.

Quien es este hombre

Pablo Ruiz Picasso es el gran genio de la pintura contemporánea. Creador del cubismo junto a Braque, su capacidad de invención y de creación le sitúan en la cima de la pintura mundial. Nació en Málaga en 1881, ciudad en la que su padre era profesor de Dibujo y director del Museo Municipal. La familia Ruiz Picasso pronto se traslada a La Coruña y de allí a Barcelona, donde el joven Pablo inicia sus estudios artísticos dentro de un estilo totalmente académico; pero rápidamente contacta con grupos modernistas que hacen cambiar su forma de expresión. París se va a convertir en la gran meta de Pablo y en 1900 se traslada a la capital francesa por un breve periodo de tiempo. Al regresar a Barcelona, empieza a trabajar en una serie de obras en la que se observan las influencias de todos los artistas que ha conocido o cuya obra ha visto. Es una esponja que lo absorbe todo pero no retiene nada; está buscando un estilo personal. Entre 1901 y 1907 se desarrollan la Etapa Azul y la Etapa Rosa, caracterizadas por el uso de esos colores y por su temática con figuras sórdidas, aisladas, con gestos de pena y sufrimiento. La pintura de estos años iniciales del siglo XX está viviendo continuos cambios y Picasso no puede quedarse al margen. Así que se interesa por Cézanne y partiendo de él va a desarrollar una nueva fórmula pictórica junto a su amigo Braque: el cubismo. Pero Picasso no se queda ahí y en 1912 practica el collage en la pintura; a partir de este momento todo vale, la imaginación se hace dueña del arte. Picassso es el gran revolucionario y cuando todos los pintores se interesan por el cubismo, él se preocupa por el clasicismo de Ingres; durante una temporada va a alternar obras clasicistas con otras totalmente cubistas. El movimiento surrealista de 1925 no le coge desprevenido y, aunque no participa abiertamente, le servirá como elemento de ruptura con lo anterior, introduciendo en su obra figuras distorsionadas con mucha fuerza y no exentas de rabia y furia. Igual que le ocurre a Goya, a Picasso también le influye mucho la situación personal y social a la hora de trabajar. Sus relaciones con las mujeres, muy tumultuosas en ocasiones, van a afectar muy seriamente a su obra. Pero lo que afectó tremendamente al artista fue el estallido de la Guerra Civil Española y el bombardeo de Guernica, que provocó la realización de la obra más famosa del arte contemporáneo, en la que critica la guerra y la sinrazón que conlleva un enfrentamiento armado. París fue su refugio durante mucho tiempo, pero los últimos años de su vida los pasó en el sur de Francia, trabajando en un estilo muy personal, con vivos colores y formas extrañas. Falleció en Mougins en 1973, cuando preparaba dos exposiciones, demostrando su capacidad creativa hasta el final.

TONY MELÉNDEZ, un artista sin límites

Pese a que no tiene brazos, el artista nicaragüense toca la guitarra con los pies, se ha superado y ya tiene escrito un libro


Para Tony Meléndez, no tener dos brazos no es impedimento para alcanzar sus anhelos, al contrario, eso fue el impulso que lo llevó, cuando tenía 16 años, a pasar seis o siete horas diarias maniobrando, con los pies, una guitarra.

La vida de Tony no ha sido nada fácil pues nació sin dos extremidades a consecuencia de que su madre tomó talidomina durante el embarazo, situación que generó la discapacidad del artista.

El músico nicaragüense, radicado en los Ángeles California, afirma que a sus padres les debe muchos pues ellos son su principal motivación para salir adelante y luchar en esta vida.

Es increíble ver que el compositor tomé un volante con los pies, pero más extraordinario es oírlo cantar y ver cómo sus dedos de los pies se mueven al ritmo de “Let It Be” de los Beatles.

“Ante los ojos de Dios yo soy completo”, manifiesta Tony quien platica las anécdotas que marcaron su vida cuando era niño y joven.

Escultores y Artistas

Escultores, Pintores, Artistas en general, tiene la capacidad de observar cada uno el mundo que les rodea y tienen la capacidad, tanto escultores como pintores de plasmar para el futuro sus reflexiones y visiones, que plasman en sus esculturas y pinturas y nosotros podemos en un futuro gracias a esas obras de arte, reproducir ese tiempo y ese momento en nuestro presente. Escultores y Pintores, reflejan con sus obras el estado de animo que van teniendo en cada momento y en cada época, dándonos la oportunidad a través de sus obras de revivir dichos momentos mágicos.

Amigos por el arte

Migel Hernandez es un amigo gran persona el es egresado del colegio deogracias cardona el desde el colegio se auto superaba con el dibujo y es uno de los pocos q sigio sus sueños .Estas son algunas de sus obras caracteristicas

Que es el arte

El arte (del lat. ars, artis, y este calco del gr. τέχνη)es entendido generalmente como cualquier actividad o producto realizado por el ser humano con una finalidad estética o comunicativa, a través del cual se expresan ideas, emociones o, en general, una visión del mundo, mediante diversos recursos, como los plásticos, lingüísticos, sonoros o mixtos. El arte es un componente de la cultura, reflejando en su concepción los sustratos económicos y sociales, y la transmisión de ideas y valores, inherentes a cualquier cultura humana a lo largo del espacio y el tiempo. Se suele considerar que con la aparición del Homo sapiens el arte tuvo en principio una función ritual, mágica o religiosa, pero esa función cambió con la evolución del ser humano, adquiriendo un componente estético y una función social, pedagógica, mercantil o simplemente ornamental.


La noción de arte continúa hoy día sujeta a profundas polémicas, dado que su definición está abierta a múltiples interpretaciones, que varían según la cultura, la época, el movimiento, o la sociedad para la cual el término tiene un determinado sentido. El vocablo ‘arte’ tiene una extensa acepción, pudiendo designar cualquier actividad humana hecha con esmero y dedicación, o cualquier conjunto de reglas necesarias para desarrollar de forma óptima una actividad: se habla así de “arte culinario”, “arte médico”, “artes marciales”, “artes de arrastre” en la pesca, etc. En ese sentido, arte es sinónimo de capacidad, habilidad, talento, experiencia. Sin embargo, más comúnmente se suele considerar al arte como una actividad creadora del ser humano, por la cual produce una serie de objetos (obras de arte) que son singulares, y cuya finalidad es principalmente estética. En ese contexto, arte sería la generalización de un concepto expresado desde antaño como “bellas artes”, actualmente algo en desuso y reducido a ámbitos académicos y administrativos. De igual forma, el empleo de la palabra arte para designar la realización de otras actividades ha venido siendo sustituido por términos como ‘técnica’ u ‘oficio’. En este artículo se trata de arte entendido como un medio de expresión humano de carácter creativo.

Pintura abstracta

Arte abstracto es el estilo artístico que enfatiza los aspectos cromáticos, formales y estructurales, acentuándolos, resaltando su valor y fuerza expresiva, sin tratar de imitar modelos o formas naturales. El arte abstracto deja de considerar justificada la necesidad de la representación figurativa y tiende a sustituirla por un lenguaje visual autónomo, dotado de sus propias significaciones. El arte abstracto usa un lenguaje visual de forma, color y línea para crear una composición que puede existir con independencia de referencias visuales del mundo real.[1] El arte occidental había estado, desde el Renacimiento hasta mediados del siglo XIX, sometido a la lógica de la perspectiva y a un intento de reproducir una ilusión de realidad visible. El arte de culturas distintas a la Europea se hicieron accesibles y mostraban formas alternativas de describir experiencias visuales a los artistas. A finales del siglo XIX muchos artistas sintieron la necesidad de crear un nuevo tipo de arte que asumiría los cambios fundamentales que se estaban produciendo en tecnología, ciencias y filosofía. Las fuentes de las que los artistas individuales tomaban sus argumentos teóricos eran diversas, y reflejaban las preocupaciones intelectuales y sociales en todas las áreas de la cultura occidental de aquella época.

Arte practico

este tipo de trabajos salen gracias a la inspiracion del momento por ejemplo este nacio de la inspiracion de una nena una noche jejejeje

Dibujo significa tanto el arte que enseña a dibujar, como delineación, figura o imagen ejecutada en claro y oscuro, que toma nombre del material con que se hace.[1] El dibujo es una forma de expresión gráfica, plasmando imágenes, una de las modalidades de las artes visuales. Se considera al dibujo como el lenguaje gráfico universal, utilizado por la humanidad para transmitir sus ideas, proyectos y, en un sentido más amplio, su cultura. Dibujo tambien significa la forma de una persona como expresar sus sentimientos pensamiento o ideas.

este otro fue inspirado gracias a q me pidiero un logo para el colegio sobre el liderasgo  y yo pense ena mano agarrando todo el planeta cogi un balon y empese a dibujarme

La magia de pintar

estilo comic casero

el arte es la exprecion del alma no dejes q se calle

no calles tus ideas por q al callarlas estarias callandote a ti mismo

El arte urbano o el arte callejero

Arte urbano

Uno de los más emblemáticos artistas urbanos.El término arte urbano o arte callejero, traducción de la expresión inglés street art, describe todo el arte expresado en la calle, normalmente de manera ilegal. El arte urbano engloba tanto al grafiti como a otras formas diversas de expresión artística en la calle. Las ciudades que son puntos clave del arte callejero son Londres, Barcelona, Berlín, São Paulo y Toronto, entre otras.

Desde mediados del los años 90 el término street art o, de forma más específica, Post-Graffiti se utiliza para describir el trabajo de un conjunto heterogéneo de artistas que han desarrollado un modo de expresión artística en las calles mediante el uso de diversas técnicas (plantillas, posters, pegatinas, murales....), que se alejan del famoso grafiti.